On founding festivals and publishing photobooks:
an interview with Erin Cross
Questions & Translation: Callum Beaney
写真祭の創設と写真集
の出版について：
絵凛クロスへのインタビュー
聞き手と翻訳：カル・ビーニー
Since moving to Tokyo from the Philippines, Erin Cross has been publishing zines and street photography projects via Instagram Story. In 2017 she launched MONØMANIA, a festival dedicated to black and white photography. Callum Beaney asked her a few questions about her work.
[CB]: First of all, could you tell us about the festival you set up in Manila, and a little about what you focused on/curated? I remember seeing a lot of photobooks.
It was in 2017. The festival was called MONØMANIA. It was a two-day event that had numerous activities: exhibitions, artist talks, developing workshops, photobook open library, merchants, photobooths, slideshows with live music, etc – everything in black and white. It involved more than 300 artists from all over the world since I featured many artists – aside from the people who attended. There, I was able to invite Tatsuo Suzuki to visit. I also launched my first photobook there.
I believe that MONØMANIA was the first photo festival (in Asia?) that focused on black and white. And even though there are a loooot of photographers in the Philippines, we unfortunately don’t have photography festivals there, which is why MONØMANIA was well-received by the community. Many sent their photozines/books for free so I included everything in the photobook library. Some of those came from overseas, though. A few days after the festival, I had to leave for Japan. It was my way of “saying goodbye” to my photography-related life in Manila. Here in Tokyo, I tried to continue MONØMANIA as a platform. But after many attempts, I recently decided to put it on hiatus so I could focus on my personal projects first.
絵凛クロスは、フィリピンから東京に引っ越して以来、写真雑誌を出版し、インスタグラムのストーリーでストリート写真プロジェクトを投稿してきました。 ２０１７年、白黒写真に焦点を当てたフェスティバル、MONØMANIAを立ち上げました。カル・ビーニーはクロスさんにいくつか質問をした。
カル・ビーニー：あなたがマニラで主催した写真祭について教えてくれませんか。イベントの写真の中に写真集がありましたが、どういう企画をしましたか。
２０１７年で、イベントの名称はMONØMANIA（モノマニア）でした。２日間で展覧会だけでなくアーティストトークやワークショップ、公開写真集収集や売店、プリクラ、音楽付きのスライドショーなどを含め、数々の活動を開催しました。参観者を除いて世界中からの三百人以上のアーチストが参加して、全て白黒写真でした。鈴木達朗氏を招待したり、初めての写真集をリリースしたりしました。
MONØMANIAはアジアの白黒写真に中心する初の写真祭りだったと思います。そしてフイリピンには写真家がスゴク多くにもかかわらず、残念で写真祭りはなく、それで好評を得ました。多数の人は写真雑誌や本を無料で送付し、全て収録しました。
数日後日本へ出発しなければなかったです。それが私なりのマニラでの写真関連の生活への別れでした。ここ東京でMONØMANIAを継続してみましたが何ども試みた後、休止することにして、個人の写真プロジェクトに集中しています。
MONØMANIA, 2017
Did you find that focus on lifestyle, subculture, etc. got people from other arts disciplines interested in photography? The art world can be quite intimidating to outsiders.
Yes, certainly. Non-photographers must have some connection with one’s photographs for them to grasp what we are trying to express. A good example would be my family. They’ve always been supportive with what I do but they also admit that they cannot understand the pictures I take most of the time. To them, being a photographer means taking portraits of everyone whenever there’s a family gathering, or probably winning photo contests. However, when they are able to see my works in a form of a book which they can keep at home, or whenever they are able to come to my exhibitions, they somehow understand that what I do is a different, special kind of photography. And they respect that. :)
I’ve heard that the photo community in Tokyo is very insular. What has your experience been like making friends and socialising around photography been like?
As a foreigner, I honestly find it challenging to make friends here, especially with Japanese people in the photographic community. They’re quite intimidating and it’s probably because I’m not yet confident in expressing myself in Japanese.
However, I learned a couple of things recently. One, during my recent group exhibition in Yoyogi-Uehara: even though most of my photographs appear “normal” to most Japanese people (eg. strangers on trains, 自動販売機), they find it amusing how foreigners, such as myself, are amused with those “normal” things, and somehow, showing those photos to them kind of make them start seeing differently. Two, ever-since I have started @womeninstreetjapan, I realized how this niche is saturated by (mostly older) men, which probably makes most women uncomfortable with the craft. The few Japanese women who are actively sharing their works on Instagram are also quite elusive and they would only respond with short messages. It would be interesting to break into this hard wall someday soon. :)
サブカルやライフスタイルに焦点を置くことで他分野の者を魅了したと思いますか。部外者にとって美術界はちょっと威圧することができますね。
はい、勿論。非写真家は我が作品と何らかの関係がないと把握にくいですね。
意図や趣旨が理解しがたいと認めながら常に励ましてくれる家族はいい例えだと思います。家族にとって、家族で集まった時にポートレートを撮り、コンテストを勝ち、あれらは「写真家」のことですね。けど、作品は本の形態で家に持って、或いは展覧会へ訪問できれば、彼らは、私が特殊な写真を扱っているとある程度わかってきます。家族はそれを評価しますね。：）
東京の写真コミュニティが随分閉鎖的だと聞いたことがあります。写真に関しての付き合いなどにはどういう体験がありましたか。
外国人として友人を作るのが正直に難しいし、特に、写真家コミュニティの中では難しかったです。 それはかなりビクビクする経験で、おそらく日本語で表現する自信がないからでしょう。
しかし、最近いくつかのことを気づきました。一つには代々木上原での一番最近のグループ展の最中には、わたしの写真が日常的なもの（例えば見知らぬ乗客、Vending machines）を描いているけど、日本人はそうした外人の傾向を見て面白がっています。見せることで見方の変化をもたらさせるそうです。
第二は@womeninstreetjapanを始めて以来このニッチがほとんど年上の男であることに気づきまして、女にとって不快に感じさせるのかしら。インスタで作品を積極的に投稿している少数の日本人女性もちょっと遠々しく、短い返事しか返信しないです。壁を超えられたらいいですね。
Images: Kevin Geronimo Brandtner
[Eugenie Shinkle]: I wanted to ask you about your own work – whether you see yourself as sitting within a tradition of Japanese street photography, whether you’re trying to express a different kind of relationship to public space?
I see myself sitting wherever I can: sometimes I get pushed aside a lot, and sometimes I stay put until I decide to leave. I’m always trying different ways to “make” pictures. For about 3 years now, I take loop photos of sleeping people inside trains, which is common among other street photographers, but I do it because I see myself in them: already tired even in the morning on the way to work, exhausted especially after working going back home.
Then, I have been religiously sharing my daily diptychs as a way to document my commute. There, I want to show that I always pass by the same streets, but I always see a different grit. Recently, too, I started doing live Instagram videos, where I do screenshots at the same time. I also encourage my viewers to do their own screenshots, so I feel like I am doing a photowalk with them. I do these unusual approaches in street photography not solely to delve away from what other street photographers do, but to keep my content fresh – they already look redundant since everything is in black and white. I don’t overthink if they’ll work or not. It helps when my followers let me know what they want to see, so I can – all the more – look closer and be more creative.
ユージーニ・シンクル：自分の作品について聞きたかった。作品を日本のストリートフォトグラフィーの伝統の中に位置付けているか、或は表したい共有空間との関係は異なりますか。
どこでも座ればいいです。文字通り「座っています」ね。時々掻き分けられて、時々そこに出ようとするまで待ちます。絶えず新たな撮影法を試しています。約３年前から電車内の眠ってる乗客のループ録画を作ってきて、それは他の写真家の中でも普通ですが、早朝通勤なのにもう疲れていて夕方ラッシュ時にも疲れている人に自分を投影しますね。
それから、通勤の記録として「デーリー・ディプティク」（毎日のペアにする写真）をはじめました。毎日同じ通りを通り過ぎますが別のものに気づいていることを示したい。
そのほか、インスタグラムで撮影しながらスクリーンショットを撮って保存するのライブビデオを初めました。視聴者はスクショを撮ることも勧めます。こういうアプローチは単に他の写真家と差別化するためだけでなく、それもコンテンツを新鮮に保つことです。白黒のでもう古臭いですね。考えすぎなくて、フォロワーの好みによって改めて考えてより創造的になることができます。
Now, I take pictures of whatever I want, however I want – without thinking if many would like them or not… no one can please everyone.
評価を考えずに撮りたいものはなんでも私が撮りたい撮り方で撮ります。みんなを喜ばせることはできないですね。
[CB]: In regards to your own work, does institutional legitimization matter as much to you as that communal aspect? I wonder if thinking of photography as a lifestyle offers a bit more freedom — I see many photographers, in the course of promoting their work, begin to focus on pre-emptively inserting themselves into the art-history canon and making work that is trying to be groundbreaking. Or they try to make work that is e.g. “Like Araki”. But these can make it much harder to connect with people, right?
This is true in all forms of art. To me, art is the ultimate self-expression, and it cannot be “real” unless we draw from what we really feel. Being inspired by other artists, is of course, part of being aware and tasteful. When one sees my work for the first time, that person can easily say that I shoot like Moriyama. I adore the guy, but I honestly haven’t seen all of his works and whenever I do and see some semblance of how we took pictures, I realize again that nothing is entirely original – and this is okay. Copying is eternal. It’s what we do. The only difference is how we copy things. I also think that the older I get, the less I care about what pictures I should make.
About five years ago, I attended a portfolio review where I submitted two photo series: one showed the maze-like ins and outs of Shinjuku Station; and the other showed a number discarded toilet seats that I’ve collected throughout the years. My reviewer at that time didn’t seem to appreciate both. I stopped continuing both series because, after having a bad review, I thought nobody else would want to see them. A few years later, I got a pat on the back by a Japanese street photographer (Tadashi Onishi) and said that “The Labyrinth of Shinjuku” is his favorite work of mine. A few years later as well, Takeki Sugiyama believed in me and “Lacklustre” made its way to an exhibition in Kobe’s Mt. Rokko International Photo Festival.
Now, I take pictures of whatever I want, however I want – without thinking if many would like them or not. Such a cliche, but yes, no one can please everyone. Sometimes, I still feel so lost in translation. To me, experiencing both is good. Just keep on going.
カル・ビーニー：美術界などからの評価はコミュニティの側面と同じくらいあなたにとって重要ですか。ライフスタイルとして考えると、もう少し創造的な自由を与えることではないだろうか。自己宣伝の過程で先制的に革新的な作品を作って写真史に挿入しようと始めるようです。または「荒木のような」写真を撮ろうとしていくが、このように考えることで他の人との繋がりを作るには難しくなりますね。
このことはあらゆる種類の芸術に当てはまりますね。私にとって芸術は最高の自己表現で、フィーリングからくる限り、本物となることはないだと思います。意識やセンスなどのために他人美術家のインスピレーションを与えられるのが一部分。初めて見ると、或る人々があっさり「森山大道みたい」って言えますね。私は彼のことが大好きですが、彼の作品を全部は読んだこともなくて、見るときに私と彼のを比べた場合、オリジナリティーが殆どないと改めて気づきますね。基本的に、真似は永遠的なことです。それは人間の基本。唯一の違いは行い方です。そのうえ、年を取ると共にどんな写真を作るべきかっていうのは、気にしていません。
５年ぐらい前、出席したポートフォリオレビューに二つのシリーズを提出しました。一番目は新宿駅の迷路のような入り口と出口を探った作品、そしてもう1つは、何年にもわたって集めたいくつかの捨てられた便座を示しました。その時の評論家はあまり評価しなかったようです。悪い評価を貰った後、他の人にも興味ないはずだって思ってきて、両方のシリーズを諦めました。でも数年後、日本のストリート写真家の大西正はその同じ「新宿の迷宮」シリーズが彼の一番好きな私の作品だと言いました。数年後にも、杉山武毅も私を評価し、“Lacklustre” （冴えないっていう意味）というシリーズは六甲山国際写真祭へ出品されました。
現在、評価を考えずに私が撮りたいものはなんでも私が撮りたい撮り方で撮ります。常套句ですが、みんなを喜ばせることはできないですね。時々あまり翻訳に失われることを感じています。両方が経験に意義があるだと思います。続けますね。
If while in Tokyo, you had funding to do any kind of public photography-related festival or event, what would you do and where?
If I had funding, I only have 2 ideas for now:
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- Part 2 of MONØMANIA photo fair in-between Shibuya and Shinjuku.
- Invite established photographers to do intensive workshops with emerging photographers in producing photobooks, also in Tokyo!
I’ve seen you posting those loops & the Ostukare!’s on Insta — do you see your Instagram as a project in its own right?
It’s the most accessible and convenient tool that we have now as image-makers. I don’t have a hundred thousands of followers to flaunt, but I think reaching out to people all over the world is the best way to do. I also gave up on maintaining multiple accounts (except for @womeninstreetjapan, but 2 other photographer friends are helping me with it), so I think being creative even with using unique hashtags (#dypschits for example started out as a random word play only), helps with one’s online identity – if this matters at all.
東京に住む限り、写真関連のイベントための出資を受けたら、どこで何をしますか。
今のところ、二つのアイデアがあります。
１： MONØMANIA パート2、渋谷と新宿の間で開催します。
２： 大物写真家を新進写真家との写真集を製作する集中的なワークショップに誘って、それも東京でしたいです！
そのループと「おつかれさまでした！」のをインスタグラムでみました。クロスさんにとって自分のインスタ自体はプロジェクトですか。
写真メーカーとして現在もっとも便利と使いやすいツールですね。数十万のフォロワーを見せびらかせないですが、世界各地と接触する最良の手段だと思います。二人の写真家の友達の助けをもらっている@womeninstreetjapanを除いて、複数のアカウントを同時に維持することも諦めたので、ユニークなハッシュタグを使用しても創造的であることは自分のオンラインアイデンティティに役立つことだと思います。ね。例えば「#dypschits」のきっかけは実は言葉遊びに由来しました。